Sean bienvenidos/as al número 55 de Alenarte Revista. Como verán ustedes en un enlace que les hemos dejado en portada de la página, Alenarte durante el mes de octubre tuvo el privilegio de batir todos sus record, tanto en lecturas del mes como en lecturas de articulo en un solo día, e igualmente de lecturas totales también en un solo día. Y empezar este número de noviembre sin decirlo no sería justo.

Estamos- todos- muy orgullosos de eso, porque aparte de la satisfacción personal que nos pueda dar ver que lo que aquí les ofrecemos les interesa, lo que nos hace sentir ese orgullo es comprobar que teníamos razón cuando planteamos que en Internet se tienen lectores si se ofrece calidad, rigor, información y veracidad. Teníamos razón cuando decíamos que el Arte y la Literatura pueden llegar a interesar a un grupo numerosísimo de lectores si se ofrece de manera amena, interesante y objetiva.

Las cifran son la muestra que nos avalan. Ustedes son la prueba del nueve de la razón que nos asiste. Cada vez somos más, pero es que influye mucho que cada vez ofrecemos mejor; ustedes permitan la pedantería.

Ejems…

Dicho lo dicho, en este número les ofrecemos muchas y variopintas novedades, artículos, creaciones, audios, vídeos  y ensayos; tienen ustedes un mes para disfrutarlos a gusto, pero para empezar les proponemos asistir a una especie de “fiesta del Diseño” que se celebra en Madrid este otoño.

¿Se vienen?…

Diseño finlandés en Madrid.  

Madrid acogerá el Mes del Diseño Finlandés durante el otoño de 2009, un evento que ofrecerá la posibilidad de conocer el diseño y la arquitectura del país nórdico.

El Instituto Iberoamericano de Finlandia, en colaboración con la Embajada de Finlandia, ha elaborado un ambicioso elenco de exposiciones, seminarios y actividades adjuntas con las principales entidades de Madrid.

Tanto la sala Matadero Madrid, el Círculo de Bellas Artes, el Museo del Traje, el Museo Colecciones ICO, el Museo Nacional de Artes Decorativas, el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, la Universidad Politécnica de Madrid como  el instituto Europeo di Design (IED),  acogerán exposiciones, talleres, conferencias, seminarios y eventos que permitirán conocer el mejor diseño finlandés.

La principal exposición del mes finlandés tendrá lugar en Matadero Madrid, en su espacio la Central del Diseño, gestionado por la Fundación DIMAD. En este espacio, de la mano de Helsinki Design Week llegarán las tendencias más vanguardistas del nuevo diseño finlandés en una muestra multidisciplinar e interactiva.

En Finlandia el diseño forma parte de la vida cotidiana y se basa en una tradición de valores que son atemporales como la funcionalidad, la ecología, la sencillez y la belleza de los objetos cotidianos.

En el panorama actual del diseño finlandés es de destaca la interdisciplinariedad que abarca desde la gráfica a la arquitectura, pasando por el diseño de productos industriales, la moda o el diseño de servicios.

Junto a los grandes creadores como Alvar Aalto y grandes firmas, como Marimekko, el Mes del Diseño Finlandés, nos acercará al presente y futuro del diseño en Finlandia, que, siempre innovador, avanza hacia la interactividad con el usuario y sus aportaciones al producto final.

El programa de eventos relacionados con el diseño y la arquitectura se completa con un plan de actividades culturales que complementa el recorrido creativo a través de este país nórdico.

Así el  Circulo de Bellas Artes: presenta  la muestra: OTTO: entre el diseño y arte, una Exposición de la Asociación finlandesa de Diseñadores ORNAMO y Artistas O. Del 30 de octubre al 22 de noviembre.

La asociación Artistas O, miembro de la unión de diseñadores finlandeses ORNAMO, plantea con esta exposición, una reflexión acerca de los límites entre el arte y el diseño. Participan dieciséis creadores finlandeses, entre los que se encuentran Aivo Favén y Pekka  Paikkari

En el Museo del Traje se presenta hasta el trece de diciembre la exposición, Marimekko: 10 puntos de vista.

De la exposición sobre Alvar Aalto en el Museo Nacional de Artes Decorativas dimos cuenta en nuestro pasado número como recordarán nuestros lectores.

En el COAM, hasta el diecinueve de diciembre se presenta una muestra sobre arquitectura finlandesa.

Todos estos eventos quieren resaltar la difícil y difusa frontera existente entre arte, diseño y cultura visual, haciendo de su interrelación un espacio para la reflexión que, ahora se nos ofrece durante días para nuestro disfrute.

Todos los escritores del mundo tienen en lo alto de su vivienda un desván repleto de memoria hacia el que se sube por las escaleras del recuerdo sin moverse casi del sitio donde uno esté trabajando: basta elevar la cabeza interior, evocar cuanto se quiere, y ascender así por los escalones del pasado.

Así ha ocurrido con la escritora española Carmen Martín Gaite, nacida en Salamanca en 1925 y fallecida en Madrid en 2000.

( José Julio Perlado)

Mujeres Escritoras:  II :  Carmen Martín Gaite. Por: José Julio Perlado.

 El desván de su memoria lo tenía desperdigado en cuadernos antiguos, aparentemente esparcidos y desordenados pero a la vez tan profundos y hondos que entre sus tapas se almacenaba nada menos que la vida, rastros cotidianos de existencia, apuntes diversos del quehacer. No eran exactamente un “Diario” y sin embargo sí lo eran a su modo: las confesiones de la escritora nos lo revelan: “Los diarios se escriben siempre para alguien – decía en uno de esos cuadernos -. Se da importancia a lo cotidiano. Pero hay que seleccionar, lo importante son las conexiones significativas. Hay cosas eternas, aunque no las apuntes y otras que aun apuntadas no son nada (…) Con los diarios empiezan los problemas del cuento de nunca acabar. Poner las fechas en fila ¿no será una falacia? No se posará y se ordenará a su modo lo que se vaya a convertir en literatura. Pero lo que más cuesta al principio es renunciar, podar, dejar de ser notario de cuanto los ojos ven”.

Autora de una tesis, “Usos amorosos del siglo XVlll en España”, novelista en “El balneario”, “Entre visillos” (Premio Nadal), “Ritmo lento”,”Retahílas”,”Fragmentos de interior”, “El cuarto de atrás” (Premio Nacional de Literatura), “Caperucita en Manhattan”, “Nubosidad variable”. “La Reina de las Nieves”, “Lo raro es vivir”, “Irse de casa”, “El cuento de nunca acabar”, “Esperando el porvenir”, Premio Nacional de las Letras en 1994 y Premio Príncipe de Asturias de las Letras” en 1998, Carmen Martín Gaite, ya en algunos de sus títulos, desvela la penumbra de ciertas habitaciones, el movimiento de leves visillos,  contraluces de fragmentos y de piezas interiores que nos van llevando, memoria arriba, camino de ese desván del que sólo ella tendría la llave y que al final de su vida – gracias a la dedicación de su hermana Ana María – se conseguiría abrir a los demás con el título de “Cuadernos de todo” (deBolsillo). Ese gran Cuaderno es el que abraza a todos los cuadernos, la herencia secreta que reúne en sí todas las tapas de todos los colores, allí donde se anotaron las menudencias de la vida,  páginas nacidas en aquel regalo de su hija Marta, “para meterlo todo desordenado y revuelto”, la existencia, por tanto, revuelta y desordenada como tantas otras, quehaceres y preocupaciones, esbozos, ensoñaciones, las cuentas de una aritmética familiar y las cuentas también del rosario de los amores truncados, el camino de las ambiciones soterradas, la ilusión y el cortejo de otras muchas desilusiones.

“Los libros te disparan a pensar – escribió en uno de esos Cuadernos, el que hacía el número 12 -. Debían tener hojas en blanco entre medias para que el diálogo (el diálogo interno con los autores de los libros que ella leía) fuera más vivo”. “Me veo obligada – dijo en otra ocasión – a ver escritas con mi letra en un cuaderno las frases del libro, cosa que sólo se parece al placer preparatorio de los collages. Lo hago verdad, lo hago mío, con sus añadidos y tachaduras”.

Estamos entonces en lo más recóndito del taller intelectual, al fondo de la fragua donde llamean los pensamientos. Alguien que lee, que dialoga con quien le habla en el libro, y que fija las frases más relevantes que va leyendo apuntándolas como si fueran suyas, en  diálogo de lector a autor y de escritor a lector, fundidas y confundidas. Es la construcción de la memoria personal, el almacén de las experiencias vitales, las vivencias reunidas a través de lecturas y de vida, el completo enriquecimiento interior.

Ya en “Esperando el porvenir” (Siruela), Carmen Martín Gaite había resucitado aquella “generación del medio siglo”, evocando reuniones y figuras de Ignacio Aldecoa, Rafael Sánchez Ferlosio, Josefina Rodríguez, Jesús Fernández Santos y tantos más. Pero ahora, en los “Cuadernos de todo”  aparece lo interior y lo exterior mezclado,  afanes, fechas, proyectos, disgustos, celebraciones, vidas y muertes. Mal año, por ejemplo, el de 1978 con la muerte de sus padres; mal año igualmente el de 1985 con la pérdida de su hija Marta; otros años en cambio muy distintos, cubiertos de apuntes y de primeras versiones de obras, reflexiones hiladas con la soltura de la pluma, encuentros, conversaciones, silenciosas Bibliotecas del Ateneo madrileño y de la Nacional, calles norteamericanas, calles de su ciudad.

 “Debería vivir como escribo en lugar de escribir como vivo”, se le escapa en 1977. “Estoy trasvasando a este cuaderno esta tarde – dice el 26 de julio de 1974 – viejos apuntes que me pueden servir para “El cuarto de atrás” o “Pesquisa personal”, a ver si me vuelve, con el proceso embrionario que llevaba cada una de estas ideas en mi mente, el deseo de continuarlas fundidas. Estoy en el cuarto del banco de madera, con la ventana abierta. Hace mucho calor. Me he cortado el pelo con las tijeras grandes. Nacho me dice que le tengo que terminar una novela para diciembre. Estoy alegre, haciendo cara al verano con ánimos…”, y así sigue y sigue Carmen Martín Gaite rellenando páginas, años antes de que la casa se quede vacía, años antes de que los secretos de su creación permanezcan aparentemente dispersos. Hay autores que nunca los muestran. Otros en cambio entregan sin reparos cuantos esfuerzos les costó el quehacer. En el caso de Carmen Martín Gaite, subiendo los peldaños memoria arriba, nos hallaremos pronto en un desván apasionante: cuaderno abierto de muchos años de vivir.

La pregunta clave la hizo un joven. Estábamos a punto de concluir el último de los actos programados para esta edición, la cuarta, del Hay Festival de Segovia que tuvo lugar, como es sabido, durante el último fin de semana del pasado mes de septiembre.

Frente al público asistente a la charla que se celebraba en el salón de actos del Museo Esteban Vicente de la ciudad, había cuatro escritores jóvenes (una mujer y tres hombres) y una periodista. El título que habían dado al encuentro era el de “La Ñ inspiradora” y trataban, nada menos, que sobre la importancia que había tenido para ellos el idioma en su proceso como escritores.

Pero fue la pregunta formulada por el joven (intuí que argentino), que no estaba en el guión, respondida por los cuatro (creo que con sinceridad) la que dio verdadero sentido a todo lo que habían hablado previamente. ( Amando Carabias)

El Festival de Segovia y la Escritura Consciente. Por: Amando Carabias.

Los escritores eran Ana Isabel Conejo, Alberto Olmos, Vicente Álvarez, y Eduardo Fraile. Los cuatro jóvenes (relativamente jóvenes, al menos), los cuatro publicados y los cuatro con premios a sus espaldas, algunos premios sonoros, casi de campanillas. Sólo citaré un galardón por individuo, por no abusar, y en el mismo orden citado: Accésit del Adonais de poesía, finalista del Anagrama, , ganador del Destino Guión, y finalista en el Gil de Biedma de poesía, respectivamente, y entre otros…

Habían hablado sobre diferentes cuestiones, sobre nuevas posibilidades, sobre los problemas actuales de la escritura, sobre aspectos generacionales (si los había), y sobre muchas otras cuestiones, todas ellas interesantísimas, qué duda cabe, y de capital importancia para quien escribe, e incluso para quien lee, puesto que el lector es, de algún modo, el destinatario de las conclusiones a las que llegan los escritores.

La pregunta produjo un silencio de expectativa entre el público y entre los cuatro escritores. La pregunta era muy sencilla, se ha repetido muchas veces, pero a veces se olvida con excesiva frecuencia: “¿Cuándo supieron eran escritores?”.

No preguntó mi joven vecino de atrás por cuándo empezaron a escribir, sino cuándo supieron que eran escritores.

Las respuestas fueron todas diferentes, como las letras y los versos de los cuatro escritores. Pero en los cuatro casos hubo un punto en común. Esa vocación se manifestó siempre de modo muy temprano. Y los cuatro matizaron muy bien, no es que empezaran a escribir a muy temprana edad (que también) sino que, además de empezar a escribir, sabían que no podían ser otra cosa en este mundo. Que por mucho que en sus vidas civiles fueran periodistas, editores, profesores…, ellos no podían dejar de ser otra cosa que escritores. Su corazón sabía con total certeza que era el latido de un escritor. Y este descubrimiento, esta plena certeza supeditó sus decisiones juveniles, ésas que se toman pensando que quizá sean modificables, pero que en verdad son las más definitivas, y las más complicadas de variar.

Cada vez que escucho o leo las líneas generales de la vida de cualquier escritor descubro que desde muy temprana edad supieran que querían ser escritores, que quizá sea el primer modo de ser. Cuando uno desea ser algo, generalmente ha empezado a serlo. Otra cosa bien distinta (y que aclaro para evitar confusiones) es que haya publicado desde temprana edad, incluso si ha llegado a publicar… Más aún, se podría decir que ser escritor y no haber publicado nunca nada (con independencia de repercusiones y número de ejemplares de las ediciones) tiene más valor que vivir de la propia escritura, puesto que la verdadera tarea del escritor es la de escribir, no la de publicar. ¿Por qué algunas veces  se olvida lo esencial?

Saber que uno es escritor, con independencia de su calidad, del género literario que cultive, de su sexo, de su estado civil, de su forma física, de su salud general, del modo con que se gane el dinero en esta vida, es saber que uno existe de una manera muy especial.

Y no, no es que los escritores formen parte de una orden religiosa o una cofradía laica (dios nos libre) que les obligue a unas determinadas reglas de vida, más o menos similares a las de un monasterio. No, en absoluto, en eso cada escritor es un mundo. Ser escritor, incluso tener clara conciencia de que uno es escritor, en realidad afecta a un modo de ser. La lengua o la pluma de cada uno lo expresará del personalísimo modo que sea capaz, pero en el escritor se aúna exacerbadamente algo que quizá no sea muy habitual. Ser escritor obliga, como tantos han repetido tantas veces, a ser un solitario solidario. Sólo en la soledad se puede crear obra literaria; pero sin ejercer una profunda mirada sobre el mundo (ya sea ésta puñalada, ya sea caricia), es imposible hacer literatura.

Tampoco hablo de compromisos específicos, ni siquiera hablo de ideologías, ni de posturas teóricas sobre tal o cual tema.

Es algo más sencillo.

Aunque, por ejemplo, un escritor narre la biografía de un bolardo, hablará del ser humano (o de los seres humanos) que han tenido que ver con ese bolardo o de la última rodilla que se golpeó contra ese maldito bolardo.

La gente le dice que domina muy bien las matemáticas, y ella se pregunta mirándose al espejo, si lo traería en el DNA al nacer o lo adquirió a fuerza de ayudar a la abuela con aquella bendita libreta. Dónde estará ahora aquel tesoro de sus recuerdos. Sus destrezas numéricas son excepcionales gracias a ella.

( Carmen Amaralis Vega )

La Libreta de los Suspiros, ( de mi propia biografía). Por : Carmen Amaralis Vega.

Si, aquella libreta era bendita por Dios; vieja, sucia, arrugada, garabateada, pero bendita.

La libreta guardaba suspiros, lágrimas, alegrías, barrigas llenas, agradecimientos, amarguras; de todo guardaba la libreta que con tanta reverencia la abuela le ponía en sus pequeñas manos para que Tita se asegurara de que sus sumas y restas concluían con la cifra correcta.

- Tita, tú que sabes sumar bien, mira a ver si no me equivoqué.

Y era que la abuela Cun sumaba y restaba con una calculadora que poseía dentro del disco duro de su cabeza. Solamente pasaba la mirada por la ristra de números y ¡zas!, escribía con su mano temblorosa la cifra final, pero antes trazaba una línea gruesa a ras para separarla del nombre del siguiente cliente apuntado en la libreta.

Porque los suspiros, las lágrimas o los agradecimientos eran de los clientes. La abuela les fiaba la compra, los víveres, pero ellos debían abonar a la deuda cada mes.

- Este mes, Don jacinto, usted se ha montado mucho, mi’jo, si no abona aunque sea la mitad de la suma, no podré seguir despachándole las compras.

Y ahí nacían las sensaciones que comenzaban con los suspiros, las lágrimas, las excusas, y la abuela siempre cedía, era blandita de corazón, y Tita saltaba de alegría con lágrimas de satisfacción, porque Tita también intervenía.

- Fíale, abuela, mira que Don Jacinto es el papá de Juanita, mi amiguita, y la pobre está muy flaca, no tienen suficiente comida, y a nosotras nos sobra, abuela, fíales, fíales por favor.

Y la abuela, que adoraba a Tita, cedía, aunque supiera que el pobre de Don Jacinto nunca tendría suficiente para pagar.

Entonces la abuela guardaba la libreta con reverencia en el cajón sagrado de la generosidad, mientras Tita pesaba en la balaza de dos platos las tres libras de arroz con los gorgojos de la miseria ajena. La libreta aguantaría algunos suspiros más, esta vez de agradecimientos contenidos y eternos.

Vengo a comentar un libro que va a tener poca difusión porque, como ocurre habitualmente, es un libro en auto edición. Estamos siempre en las mismas en el terreno de la literatura; o bien uno se paga lo que escribe o bien se lo auto edita. Hablo de la literatura que no ronda los círculos oficiales, y que además para rondarlos tiene que dar más vueltas que una peonza.

( Alena Collar)

Josue Santiago…por des-contado… Por: Alena Collar.

Y me sirve este libro para hacer una reflexión sobre el tema y miren ustedes que es tema tratado más de una vez. Pero es evidente que Josué Santiago, autor de estos Cuentos y Des-cuentos, en la editorial Abeyno, ha escrito un libro digno, sencillo, con estilo propio indiscutible y que merecería tener más difusión que la que tengan la suerte de otorgarle aquellos que tienen la fortuna  de leerle.

Josué Santiago es un autor de ya larga nombradía y reconocido en círculos intelectuales de Internet, lo cual, moleste a quien moleste también es un reconocimiento. Y aquí nos presenta una serie de cuentos cortos, en los que a través de una fina ironía, y –a veces- de una descarnada pulcritud reflexiona sobre eso tan complicado que llamamos vivir.

No son cuentos fáciles; me explico: quiero decir que no son cuentos para satisfacer el ego de los bien leyentes, sino para removerlos, inquietarlos y en muchísimas ocasiones perturbarlos con el relato. A su vez, el lector es un recreador del mundo que plantea el escritor, ya que éste siempre –o casi siempre- deja una puerta abierta a la interpretación de lo que en realidad allí se está diciendo. Baste leer por ejemplo “Cabeza de Vaca”, o “El sepelio del Cabo Gómez”, cruda semblanza del papanatismo patriota mal entendido, o “Tierra” una sátira brevísima –y divertidísima- sobre el descubrimiento de América.

Este conjunto de escritos, decía al principio, tendrá la difusión que los lectores/as quieran darle, pero nos atreveríamos a recomendar que ésta no fuera ni breve ni reducida.

El interés por abordar el estudio de este personaje femenino creado por Emile Zola para protagonizar su homónima novela, integrada en el noveno lugar de la serie que el literato italofrancés dedica a la familia Rougon-Macquart, se justifica principalmente por la disconformidad con los estudios y análisis que habitualmente realizan sobre él los críticos y estudiosos del tema; ya que, en general, consideran a Nana como una mujer ignorante del bien y del mal, despiadada y sin escrúpulos, que dedica su vida a destrozar la de los hombres con los que se relaciona; y consecuentemente con esto han elevado el personaje a nivel de símbolo, convirtiéndole en el prototipo más pérfido de entre todas las mujeres incluidas en el catálogo de las devoradoras de hombres. (Virginia Seguí)

El ídolo eterno. Rodin. 1888

Nana, ¿la devoradora de hombres?. Por: Virginia Seguí.

 El interés por abordar el estudio de este personaje femenino creado por Emile Zola para protagonizar su homónima novela, integrada en el noveno lugar de la serie que el literato italofrancés dedica a la familia Rougon-Macquart, se justifica principalmente por la disconformidad con los estudios y análisis que habitualmente realizan sobre él los críticos y estudiosos del tema; ya que, en general, consideran a Nana como una mujer ignorante del bien y del mal, despiadada y sin escrúpulos, que dedica su vida a destrozar la de los hombres con los que se relaciona; y consecuentemente con esto han elevado el personaje a nivel de símbolo, convirtiéndole en el prototipo más pérfido de entre todas las mujeres incluidas en el catálogo de las devoradoras de hombres.

La comprensión del personaje hace necesario el estudio de su proceso creativo, por ello, en primer lugar debemos considerar las intenciones de su autor al crearle e indicar, respecto a esto, lo que él mismo nos dice sobre su planteamiento en la realización de la serie de novelas en las que Nana se inscribe; novelas que son de clara intención social y moralizante; ya que la leyenda aclaratoria que sigue a su título indica que lo que trata de describir la serie es la Historia natural y social de una familia bajo el Segundo Imperio: Los Rougon-Maquart.

Su autor trataba de aplicar a la literatura las teorías desarrolladas por Claude Bernard en su obra Introducción al estudio de la medicina experimental (1865); en la que el científico francés desarrollaba la tesis de que la Medicina no sería verdaderamente ciencia mientras no se fundara en la fisiología y mientras no adquiriera, al igual que la física o la química, una metodología experimental con la que dejar claros sus axiomas, resguardándolos así de cualquier posible influencia proveniente de la filosofía o la teología y liberándolos, a la vez, de cualquier tipo de ascendencia personal. Estaríamos pues, según él, ante la objetividad absoluta; y esto fue lo que llevó a Zola a convertirse en el padre del polémico movimiento literario conocido como Naturalismo.

En segundo lugar, añadir, que lo primero que hizo el escritor fue crear la genealogía familiar de los Rougon-Macquart y a continuación crear una serie de historias en las que los personajes se entremezclan dependiendo de las generaciones, este entramado de personajes hace que muchos de ellos aparezcan primero como secundarios, para pasar después a ser protagonistas absolutos de alguna de las siguientes de forma que el conocimiento del personaje requiere la lectura de varias obras de la serie; sin por ello impedir que cada una pueda ser leída y comprendida de forma independiente.

En el caso de Nana es importante conocer que su historia comienza en La taberna (L’Assommoir 1877), séptima de la serie, en la que su madre: Gervasia Macquart será la protagonista, su lectura nos permite acercarnos a Nana en sus primeros años de vida, su nacimiento, crianza y su primera juventud.

Gervasia es una mujer del pueblo, nacida en la pequeña localidad provenzal de Plassans donde vive en el seno de una familia humilde, en la que el padre ejerce su autoridad propinándole al menos una paliza diaria; la joven acaba por unirse al facineroso Lantier con el que tiene dos hijos, el primero de ellos a los catorce años y huyendo a París en el momento que éste consigue, a través de una herencia, el dinero suficiente para ello. Una vez allí, dilapidan el dinero con bastante facilidad y pronto se encuentran instalados en un pequeño y maloliente hotel del bulevar La Cheselle, malviviendo con el dinero que consiguen empeñando los pocos bienes que les quedan y lo poco que gana honradamente Gervasia sirviendo por casas y como lavandera; para colmo Lantier dilapida lo poco que así consiguen gastándoselo en bebida y mujeres, lo que lleva a Gervasia a la desesperación, finalmente Lantier la abandona por otra, dejándola sola con dos niños pequeños a los que alimentar. Poco después Gervasia aceptará casarse con un plomero llamado Coupeau; inicialmente el matrimonio era considerado modelo; ella servía en la casa de los Sres. Fauconnier y su marido le entregaba su paga quincenal consiguiendo reunir así unos nueve francos diarios, lo que en principio podía considerarse suficiente para mantenerse e incluso ahorrar. En sus primeros años de matrimonio tuvieron que amortizar las deudas contraídas con los gastos de la boda, instalación de la casa en la que iniciaron su vida en común.

Nana vino al mundo cuatro años después, un treinta de abril; con los dolores del parto Gervasia preparó la cena a su marido y después parió sobre la alfombra una preciosa niña. Eligieron para ella el nombre de su madrina Anna pero, siempre le llamaron Nana. La vida transcurrió feliz hasta el tercer cumpleaños de la niña, momento en el que su padre, Copeau,  mientra la sonreía cayó al vacío desde el tejado del pequeño local que habían alquilado, quedando malherido y salvando la vida de milagro. A partir de entonces no pudo trabajar y el desaliento y la inactividad acabaron por conducirle a la bebida mientras Gervasía se embrutecía con horas y horas de duro trabajo. Lantier apareció nuevamente, consiguió la amistad de Coupeau e instalarse en su casa reanudando la relación con Gervasia, quien cayó también en el alcoholismo; en este ambiente de depravación vivió Nana los primeros años de su vida, los primeros de los que tenía conciencia; y desde muy temprana edad entró a trabajar en un taller como florista intentando llevar un nuevo salario a casa. El taller, dirigido por su tía la Sra. Lerat fue el elegido; entró primero como aprendiza sin salario, mientras éste llegaba la familia malvivía  con el poco dinero que Gervasia conseguía ganar sirviendo; no quedándole más solución que prostituirse.

Por otro lado su tía en el taller, además de enseñar la profesión y, en teoría cuidar de las chicas que asistían a él, ejercía, en cierta forma, de alcahueta, y aunque intenta aparentar  que las vigila y controla sus con los hombres; a lo que se dedica es a dejarlas a su merced, epujándolas a mantener relaciones con hombres, generalmente maduros de los que acaban recibiendo únicamente algunas monedas y un pasaporte directo a la prostitución. Y esto es lo que le ocurre a Nana, a quién por otro lado, visto lo visto en casa tampoco le parece una mala solución; sí por lo menos le permite mantener el estómago lleno y cumplir algunos de sus caprichos; al principio empieza a hacer correrías; empieza a salir por las noches, a llegar tarde o a la mañana siguiente; luego falta varias noches; aunque finalmente, cuando la situación se le hace difícil vuelve en busca de un sitito donde cobijarse y una cama donde dormir; las consecuencias de esto son funestas, pues su padre le propina una paliza antes de dejarla entrar en casa, y la joven tarda cada vez más en volver. La situación empeorará hasta límites insosenibles con unos padres alcoholizados y en la miseria que desemboca su muerte. Nana ya sin ningún sitio al que regresar tiene que buscarse definitivamente la vida por sí misma.

Zola publicó La taberna en 1877 y a pesar la difícil realidad que describe y retrata con detalle y la veraz crudeza de su lenguaje fue su primer gran éxito; aunque será Nana, publicada en 1880, la obra que le consagre y le convierta definitivamente un escritor famoso, aunque no exento de polémica.

Nana hará su reaparición literaria convertida en protagonista de la novela que lleva por título su nombre; su lectura nos permite conocer el resto de su vida. Su primera aparición puede decirse que es una puesta en escena en toda regla, ya que la veremos convertida en actriz principal del Teatro Veriétés, considerado por su propietario y director, Bordenave, como su burdel; lo cual da idea del tipo de establecimiento que regenta.

La obra en la que interviene Nana: La Rubia Venus, como su propio nombre indica de corte mitológico se centra en un escabroso tema, al escenificar la vida de los dioses de la mitología griega y romana en el monte Olimpo y, muy específicamente el episodio de los amores entre Venus y Marte; descubiertos por Vulcano esposo de la diosa y de cómo éste muestra al resto de dioses olímpicos a ambos en el momento más intenso de su relación tras capturarles con una red fabricada al efecto; episodio que, por otro lado, permite a Nana lucir sus encantos ante el público asistente sin ningún atisbo de recato alguno y dejando su condición de actriz en entredicho, ya que sus dotes interpretativas y musicales dejan mucho que desear.

Lo curioso de la historia que relata Zola en esta novela no es, en mi opinión, la vida de Nana que dada su trayectoria anterior pudiera ser perfectamente predecible; sino que su vida es la que es y no otra porque está directamente condicionada por la actitud de la mayoría de los hombres que se relacionan con ella; quienes en general lo único que intentan es conseguir de ella, de una forma u otra, son sus favores sexuales. Favores por los que están dispuestos llevar a cabo acciones disparatadas pero que aparentemente no tienen ninguna consecuencia en sus vidas ni en los aspectos profesionales ni en los personales. Otra cuestión interesante es la actitud del resto de personajes de la historia, pertenecientes a las diferentes capas sociales existentes en la época, que ven estas actuaciones, en muchos casos disparatadas, como algo habitual. Todo esto y teniendo en cuenta las premisas del Naturalismo literario, nos lleva a deducir que estamos ante una descripción realista del sistema de vida habitual de la sociedad francesa del Segundo Imperio.

Qué Nana explota sus encantos para conseguir sobrevivir y cumplir todas sus necesidades y caprichos por inustanciales que puedan parecernos es algo que no se puede negar; que juega con los deseos y sentimientos de los hombres que la pretenden intentando sacar el mayor provecho en beneficio propio, es también totalmente cierto; ahora el considerarla la única mala de la historia es algo absolutamente misógino y bastante simplista.

Volviendo a la historia de Nana cabe decir que según Bordenave, pese a ser una desconocida y no saber ni cantar ni actuar, tenía algunos secretos ocultos que encandilaban al público; siendo su opinión que llegaría lejos, pues, además, su  nombre suena como una caricia. Su presentación había creado gran expectación y todos estaban ansiosos de verla actuar, aparecer en el escenario, y, como le iban a la medida los personajes de caderas anchas y lengua suelta, pronto se metería al público en el bolsillo; describía el fenómeno diciendo que: <cuando soltaba su famoso golpe de cadera, se encendía la platea y subía un calor de un piso a otro que llegaba hasta el techo>.  Y tenía razón pues pese a sus escasas dotes de actriz, todos los asistentes, mayoritariamente hombres, no pudieron resistirse a sus encantos y  muchos de ellos estaban a la mañana siguiente intentando que les recibiera en su casa ansiosos de obtener sus favores.

 La situación personal de Nana en ese momento era, no obstante, bastante precaria, habitaba en un lujoso piso del Bulevar Haussmann, en el que sólo estaban amuebladas su alcoba y el tocador; al parecer un rico moscovita lo había alquilado para ella pagando los tres primeros meses, pero casi inmediatamente después la había abandonado y ella intentaba mantener la situación de la única manera que conocía. Vivía allí junto a Zoe, su sirvienta quien, además de atenderla, organizaba el tema de las visitas masculinas cuidando que los caballeros no coincidieran intentando evitar posibles enfrentamientos y los problemas que ello le acarrearía; aunque la verdad es que la cosa empezaba a ser difícil de conseguir.

Nana pensaba que a partir de la noche de su presentación teatral todo mejoraría, al aumentar el número de pretendientes y su categoría social y económica; con lo que quizás alguno pudiera permitirse el lujo de mantenerla permitiéndole mejorar su nivel de vida y, sobre todo, dándole la posibilidad de recuperar a su hijo: Luis, nacido cuando tenía dieciséis años, a quién retenía su nodriza que vivía cerca de Rambouillet, y a la que debía pagar una fuerte suma para que se lo devolviera; pues lo que Nana pretendía era recuperarlo e instalarlo en Batignolles, con su tía Lerat, donde podría visitarle siempre que quisiera.

La relación de Nana con los hombres es variada y aunque, en la mayoría de los casos, la cuestión se resume en mantener con ellos relaciones de índole sexual y percibir a cambio la mayor cantidad de dinero posible; en otros casos además de existir esta relación tiene con ellos también lazos de cariño y ésta se mantienen aun cuando su relación carnal haya terminado. En general estos, son hombres jóvenes por los que ella también siente atracción, destacan: Daguenet y los hermanos Hugon; en especial el más joven, Georges, casi un niño, al que llama cariñosamente Bebé y que está perdidamente enamorado de ella.

El segundo grupo de hombres con los que se relaciona está formado por hombres maduros, en algunos casos podríamos decir que viejos; de elevada posición social y desahogada posición económica que, en la mayoría de los casos, le inspiran cierta repulsión; aunque sea perfectamente consciente de que son los únicos que podrían permitirse mantenerla y satisfacer sus caprichos y necesidades. Estas relaciones son mucho más difíciles e intenta dilatarlas todo lo posible buscando, con ello, un doble efecto: retrasar el momento de entregarse a ellos y excitar su pasión al máximo para obtener el mayor control posible sobre ellos; es decir conoce sus debilidades y las explota en su beneficio. En este grupo destacan el banquero Steirner, Conde Muffat de Beauville y Marques de Chouard, viejo verde suegro del anterior.

Aparte de estos dos grupos existe un hombre del que Nana se enamora: Fontan, con el que intentará abandonar su vida anterior e iniciar una nueva, formando una familia junto a su hijo Luis, aunque sin conseguirlo; pues la relación será un fracaso, y Fontan asqueado de la situación empleara toda su fuerza contra ella propinándole brutales palizas que, en principio, aguantará intentando retomar la situación inicial sin conseguirlo, poco después Fontán la abandonará dejándola sin blanca al llevarse los siete mil francos que les quedaban; Nana, sola nuevamente, debe buscarse una vez más la vida por su cuenta retomando su vida anterior.

Esta brutalidad le hará también experimentar un desprecio por el sexo masculino y buscará la compañía de una amiga de la infancia, Satin, con la que mantendrá una relación lésbica.

Vemos cómo Zola lo que hace en Nana no es otra cosa que ajustarse a la tónica general del siglo encuadrándose dentro de las líneas estéticas dominantes; continuando e incluso acentuando la fascinación por la representación del cuerpo femenino iniciada en el siglo anterior, tradicional y convencionalmente obviada por la sociedad como prevención ante su capacidad de perversión; cuando, una vez despojaba la imagen de cualquier tinte mitológico o religioso, se la presenta como la imagen de una mujer contemporánea.

Una sociedad en la que la mujer está considerada inferior al hombre y por tanto supeditada a él; en la que no puede hablarse de temas relacionados con su fisiología, y ni siquiera mencionarse algunos elementos de su cuerpo como el vello púbico; en la que no puede hablarse de su menstruación sin tener que utilizar alguna metáfora, etc.; una sociedad que acaba creando estereotipos de estas visiones de mujeres perversas por las que se siente amenazada, visiones que la perturban aún perduran; como es el caso mujer fatal y devoradora de hombres en el que Nana se encuadra.

Su obra puede relacionarse y compararse a la realizada por algunos de sus amigos en el campo de la plástica. Describe escenas de Nana en su camerino o en su tocador, recreándose en la visión de su cuerpo desnudo, acicalándose sin recato alguno, a veces en presencia de hombres en los que esta sola visión despierta sus mas recónditos instintos; visiones de las que tenemos ejemplos plásticos realizados por pintores y artistas del París de la época, que se recrean además representando el ambiente de los bajos fondos de la ciudad, burdeles depravados, representados sin ambigüedades que presentan en los Salones, en donde un público acostumbrado a las convenciones cínica e hipócritamente se escandaliza ante tanta realidad y naturalismo.

Obras de artistas como Courbet, Degas, Manet, Toulouse-Lautrec, Guys, Rops, etc… que representan el mundo real que, si bien es conocido, hasta entonces no estaba tan explícitamente visualizado. Curiosamente la obra de Manet homónima de la novela de Zola: Nana, precede a ésta ya que esta fecha en 1877 tres años antes de la publicación de la obra literaria que vio la luz en 1880, más bien podríamos centrar su inspiración en ese primera Nana que aparece en La taberna ya que Manet nos la representa todavía como cocotte, ante el espejo, en su tocador, en ropa interior y acicalándose; indiferente o ajena a la atenta mirada del acaudalado burgués, cuya figura se recorta en uno de los extremos del cuadro, que asiste a la escena de toilette admirado por las explícitas redondeces de Nana.

Zola, al parecer, se inspiró para la creación de su personaje femenino: Nana, en la vida de Marie Ernestine Blanche d’Antigny, actriz de variedades conocida como Blanche Dantigny y quizás influyó en su forma de abordar el personaje la visión de un cuadro presentado por su amigo Manet al Salón de 1863; su Olimpia, que sin duda representa a una mujer desnuda, despojada de cualquier connotación mitológica, sin duda la representación de una cortesana y así fue interpretado por el público y los críticos asistentes dada la indignación con la que acogieron su exhibición pública.

Por otro lado, la riqueza de matices que se expresan en una obra literaria permite a Zola enriquecer el personaje de Nana de forma que, aunque sin duda, estamos ante una mujer de vida nada edificante y admitiendo que en ocasiones su actuación puede calificarse de malintencionada; tampoco debemos juzgarla valorando únicamente sus actuaciones negativas; pues Zola nos la presenta de forma que podamos apreciar los muy diversos matizando de su carácter.

Es una mujer bastante simple y sin apenas educación, sin embargo, espabilada y muy intuitiva, quizás la necesidad despertó tempranamente en ella estos sentidos; ella quisiera vivir una vida diferente; pero no consigue realizar sus deseos y la búsqueda de una situación desahogada que la permita vivir lujosamente y satisfacer sus caprichos; no lleva aparejada la felicidad, sino que más bien le conducirá inexorablemente a su desgracia.

Centrándonos en los personajes masculinos concretos que se relacionan con Nana, habría que explicar que el banquero Steiner es, siguiendo la descripción de Zola,  <un nombre minúsculo, con una tripita muy acusada, cara redonda, circundada por una estrecha barba entrecana>, un hombre ya maduro con una buena posición social y económica; inicialmente, y hasta la llegada de Nana, era el amante de la primera actriz de la compañía del teatro de Bordenave; pero le falta tiempo para requerir a Nana y tras compararle una finca en el campo consigue que ésta acceda a mantener una estrecha relación con él; que dura realmente poco tiempo, puesto que una vez en el campo Nana se dedica a darle largas a la vez que mantiene una relación con George, el mas joven de los hermanos Hugon.

La estancia en el campo produce en Nana un efecto especial, que el autor expresa así: <En aquellos días tuvo Nana fantasías de muchacha sentimental. Pasaba horas mirando la luna. Una noche quiso bajar con Georges al jardín, cuando estuvo dormida toda la casa; y pasearon bajo los árboles cogidos de la cintura, y fueron a echarse sobre la hierba, donde los empapó el rocío>.

Curiosamente Nana es descrita ahora por Zola como <una muchacha sentimental>; y vive el campo como un lugar paradisiaco, y emulando a Pablo y Virginia, se entrega al joven George prácticamente sin percatarse de ello, y cuando cae en la cuenta de lo que ha hecho y de que Georges está perdidamente enamorado de ella y pretende que le pertenezca solo a él, comprende su error, pero no puede sustraerse a ello ya que la sensación de irrealidad que el campo le produce no la deja pensar con claridad; alejada de la ciudad es como si su vida anterior se borrara temporalmente y pudiera vivir otra nueva y renovada; sobre todo teniendo en cuenta que en un momento dado llega y se instala junto a ella su hijo Luis, la situación se describe así: <Pero lo que acabó de derretir el corazón de la joven fue la llegada de Luiset. Su crisis de maternidad revistió la violencia de un ataque de locura. Se llevaba a su hijo al sol para verlo retozar; se revolcaba con él por la hierba después de haberlo vestido como a un pequeño príncipe. Enseguida quiso que durmiera cerca de ella, en la habitación contigua, donde la señora Lerat, muy impresionada por el campo, rompía a roncar, así que estaba boca arriba.>

Pero realmente el personaje más significativo de la historia es el Conde Muffat de Beauville, casado con Sabine, hija del Marques de Chouard, Consejero de Estado y Chambelán de la Emperatriz; de él dice Zola: <Su madre era una vieja inaguantable, siempre entre sotanas. Hijo tardío de un general hecho conde por Napoleón I, había salido favorecido con lo del 2 de diciembre. No era alegre pero si honrado y recto. Su educación se la debía a su madre, confesión diaria, ninguna escapada, ninguna juventud, fuera del tipo que fuese. Era practicante y tenía arrebatos de fe de una violencia sanguínea, parecida a accesos de delirio>; con esta descripción es claro lo que cabe esperar de él. Llegó virgen al matrimonio y su pasión por Nana le consume sumiéndole en un estado casi de trance; una de las descripciones de la situación en que se encuentra el conde antes de conseguir los favores de Nana dice así: <Solo tenía un temblor en las manos. En aquella naturaleza sanguínea, que había permanecido virgen, el deseo, aguijado por la estudiada táctica de Nana, producía a la larga, cataclismos terribles. Aquel hombre tan grave, aquel chambelán que cruzaba con paso digno los salones de las Tullerías, mordía su almohada por la noche y sollozaba, exasperado, evocando siempre la misma imagen sensual>. El conde es también un producto de la sociedad en la que vive y de la educación que su madre le ha inculcado; un hombre tímido y beato esclavo de los instintos más primarios pues desconoce el modo de controlarlos; un hombre reprimido  que no sabe lo que es vivir la sexualidad en libertad; quizás por ello mismo infeliz en su matrimonio y conocedor que aunque sus instintos y sentimientos hacia Nana le conducen inexorablemente a la condenación no es capaz de resistirse a ellos.

Finalmente Nana se entregará al Conde e incluso conseguirá de él que la alquile una lujosa casa en París en la que Nana vivirá entre lujos y caprichos, dando fiestas y recibiendo a las amistades que anteriormente se reunían las tardes de los martes en la casa del Conde siendo su esposa Sabine quien hiciera las veces de anfitriona; es decir la sociedad parisina vivía la situación con normalidad y ésta sólo perjudicaba a Nana; pues nadie critica al Conde por su actuación.

Otro reproche que generalmente se le imputa a Nana, como una prueba de la maldad de su alma, es que descubra a su amante, conde Muffat que su mujer, Sabine, también tiene un amante: el periodista Fauchery. Cuando Muffat comprueba con sus propios ojos la veracidad de tal afirmación, se siente mancillado; su honor depositado en Sabine estaba a salvo de todo mal, hiciera él lo que hiciera; ahora bien si su mujer hace lo mismo la cuestión es otra muy distinta pues afecta directamente a su honra que naturalmente está en depositada en su mujer; y como ya decía Calderón que: <[…] el honor es patrimonio del alma, pero la honra sólo es Dios>.

Esta cuestión de abrirle los ojos a Muffat poniéndole en antecedentes de las debilidades y actividades de su mujer es algo muy negativo para Nana; pese a que sea ella también la que le convenza de que debe seguir con ella como si nada hubiera pasado; Nana conseguirá casar a Estella, la hija del conde, con Daguenet, uno de sus antiguos amantes. Y lo insólito no es que ella lo intente e influencie al conde para ello; sino que él y su mujer, que conocen su anterior relación, no pongan objeciones al tema.

 La lectura de la novela desvela numerosos detalles que podrían ser traídos a colación para seguir ahondando en nuestra tesis, pero creemos que con lo expuesto queda clara la tradicional visión negativa del personaje. Únicamente añadir que cuando al final de la novela, Nana muere, en la más absoluta miseria, en una habitación de hotel, recogida por la caridad de una amiga y después de haber  sido contagiada de viruela por su hijo, al que ha cuidado hasta su muerte; la visión de su deformidad, aunque ésta sea producto de su amor de madre, quizás el único papel para el que la sociedad consideraba capacitada a la mujer, es también vista como un castigo a sus muchas maldades. Falco al hablar del personaje lo expresa así: <Pero la propia Naná. Víctima de la viruela, se hunde también en la sombra y sus bellas facciones que tantas locuras habían suscitado, no tardan en descomponerse. Concluida su triste misión, la vengadora se convierte a su vez en víctima; después de tanto estrépito. Nana es aniquilada por fuerzas mas poderosas que ella.>

El jueves cinco de noviembre se presentó en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga el libro de Guillermo Díaz Gómez: Hipatia de Alejandría. Una de las más importantes matemáticas de la historia, que vivió entre el 355 y el 416, hija de astrónomo y escritora de textos sobre álgebra, trigonometría y astronomía, muerta violentamente a manos de los cristianos que la acusaron entre otras cosas de paganismo.

Hipatia se dedicó a la enseñanza de la filosofía, hacia el año 400, siendo alumnos suyos sofistas, gramáticos y sacerdotes.

Novedades sobre Hipatia de Alejandría. El libro de Guillermo Díaz Gómez.

El autor de esta obra, Guillermo Díaz Gómez, nacido en Melilla en 1978 y  Licenciado en Derecho en la Universidad de Málaga,  trabaja en el mundo empresarial y en el de la industria cinematográfica  es colaborador habitual de varios medios de comunicación como la  cadena SER.  Participa desde hace cuatro años en espacio radiofónico en Radio Intereconomía dedicado al cine.

- Ha escrito para páginas web artículos relacionados con la historia y el cine. Los últimos y de mayor éxito son una serie de reportajes para cineactual.net sobre la veracidad histórica de las películas

El Libro ha sido publicado por la editorial Aladena, una también joven editorial, que ha vendido más de mil ejemplares de él en un solo mes, convirtiéndose así en lo que ellos denominan con humor “su primer best seller”.

* Las fotografías del autor de la obra y de la portada de la misma, están tomadas de la web personal del autor.* De ella se ha tomado también parte de la documentación biográfica correspondiente al mismo.

“Olivo solitario,

lejos del olivar, junto a la fuente,

olivo hospitalario

que das tu sombra a un hombre pensativo

y a un agua transparente.

al borde del camino que blanquea,

guarde tus verdes ramas, viejo olivo,

la diosa de ojos glaucos, Atenea.” ( Antonio Machado).

La mejor manera de conocer la provincia de Jaén es a través de sus olivos. El paisaje –infinita luz y sin fronteras- muestra diferencias bien marcadas, desde las agrestes y llamativas sierras hasta las llanuras fértiles invadidas por el Guadalquivir, pero es el olivo hospitalario, el de las ramas verdes y troncos retorcidos, como cantaron los poetas, el que da el carácter a esta provincia que merece estar orgullosa de ser la mayor productora de aceite de oliva del mundo. ( Pilar Moreno)

Una visita a la Almedina de Cazorla. Por : Pilar Moreno Wallace.

Nos acercamos primero a Cazorla por una carretera cómoda, marcada entre resplandores inapelables, huertas y olivares conocedores de su historia y su valía. Calles increíblemente estrechas y con notable desnivel nos provocan asombro e inquietud, y hacen que nuestra llegada no sea olvidada en mucho tiempo por los vecinos del lugar, incluso es posible que pase a formar parte de las crónicas cazorleñas, al tomar una dirección equivocada sin salida y sin posibilidades de girar. Todo un espectáculo para los tranquilos habitantes del lugar, algunos de los cuales –dos pacíficas aborígenes– nos dieron lecciones de circulación, con maniobras incluídas y de una manera gratuita.

 Estamos en Cazorla y hace mucho calor esta mañana de Julio. Desde el balcón del hotel la sierra se siente tan cerca que parece que puedo tocarla con las manos; al fondo, el agua del Cerezuelo reverbera su sonido en el sueño de la tarde, y oigo cerca y pausada la campana de la Iglesia de San José que guarda en su interior seis grandes lienzos copias de El Greco. Pero hay más; por encima de los tejados en rojo la torre de las Cuatro Esquinas nos mira con decoro, convencida de su propia historia y leyenda. Quizás no ha olvidado los lamentos de la pobre princesa olvidada para siempre por su padre en las mazmorras del castillo. También la Iglesia de Santa María sabe de tristezas y penalidades que el tiempo y el pasado han dejado improntas en su imagen. Más tarde salimos, paseamos, recorremos las calles, las callejuelas y las plazas. Otras iglesias, capillas y ermitas, casas y palacios, incluso fuentes con denominación de origen, completan la herencia cultural y ponen su acento en el perfíl histórico bajo la mirada observadora de la peña de los Halcones.

Las altas temperaturas no son un estorbo para conocer bien el lugar, y nuestra siguiente visita es una almazara situada en el entorno de la sierra de Cazorla. Llegamos por la carretera de Cazorla a Peal de Becerro, para después desviarnos por un caminito de tierra entre olivos, como no podía ser de otra manera. Hasta donde alcanza la vista sólo existen olivos; señoriales y circunspectos árboles con muchas dosis de sabiduría. Ya cuando parece que no hay nada que distraiga el dominio del verde, aparece una pincelada clara con acento dulce en el nombre, la Almedina, un oaxis de respiro en el calor.

Esta almazara histórica –palabra de raíces árabe que significa lugar donde se exprime- tiene sus orígenes en el siglo diecinueve, cuando el Marqués de Foronda ordenó la construcción de una casa-palacio y adosada a ella una almazara con cuatro prensas hidraúlicas para, además del aceite, conseguir orujo y jabón, pero esto ya forma parte de su historia. El marqués, amigo personal de Alfonso XIII, pensó así unir en la Almedina una residencia para las visitas reales y un complejo industrial. Ahora está previsto que pase a ser Casa Rural en un futuro próximo.

Llegamos primero al patio, un espacio abierto, donde se selecciona la aceituna, se limpia y se pesa. En el interior nos fueron mostrando las naves donde se realiza  el tratamiento que se le da a la oliva, la trituración hasta conseguir una pasta, la extracción del aceite separándolo del resto de los componentes de la aceituna, y por último su recogida en depósitos de acero inoxidable donde se conservará con la justa temperatura y escasa luz. Desde aquí el aceite se envasa para su comercialización. Todo un proceso que exige mucho esfuerzo y amor al oficio.

En estas mismas instalaciones se encuentra también un museo, donde se puede seguir la evolución del tratado de la oliva cuando esto todavía era un trabajo artesanal y sacrificado, como nos hace recordar los versos del poeta:

“Andaluces de Jaen,

aceituneros altivos,

decidme en el alma:

¿Quién, quién levantó los olivos?

No los levantó la nada,

ni el dinero, ni el señor,

sino la tierra callada,

el trabajo y el sudor” ( Miguel Hernández).

Vasijas, bidones, prensas, decantadores, molinos, depósitos que hicieron sus funciones en otras épocas, toda una muestra de maquinaria y herramientas, que nos dan una idea del trabajo y dedicación para la obtención del aceite a través del tiempo. Hoy día el sector del aceite ha evolucionado de una manera muy significativa con la modernización de las almazaras y la elección de los productos. Todo esto tiene como resultado un aceite – el de esta almazara tiene el poético nombre de Torreón de Nubla- de la mejor calidad y sabor excelente, de aceitunas recogidas en el mes de noviembre.

Dejamos la almazara y salimos de nuevo a la carretera, a la luz que nos deslumbra, al calor, pero el olivo sigue estando ahí, imperturbable. Considerado sagrado y mítico por algunas culturas, es un árbol robusto, de tronco grueso, que llega a una edad avanzada y resiste temperaturas extremas y una exposición prolongada al sol. Quizás es esa atribuída magia lo que ha hecho que sobreviva toda clase de invasiones y guerras. Quizás por eso está ahí, inseparable de las tierras jiennenses y todas las que se asoman al mediterráneo, y quizás es esa perenne presencia lo que hace que los “paisajes del olivo” hayan sido merecedores de ser nombrados Patrimonio de la Humanidad.

¿Me has echado de menos? Esa pregunta aparece repetida en varias ocasiones en la canción Je t’ai manqué, incluida en el disco Bleu Petrole (Petróleo Azul, 2008), el último disco de Alain Bashung que vio la luz antes de su fallecimiento el pasado mes de marzo cuando contaba 61 años de edad, derrotado por un cáncer de pulmón.

Se trata del cantante francés más premiado de aquel país, y precisamente 15 días antes de su fallecimiento, se llevaba los premios al mejor intérprete masculino del año, el mejor álbum y la mejor gira, premios todos ellos empequeñecidos al lado del que le habían concedido en el año 2005 al mejor álbum de los últimos 20 años en Francia. El disco era Fantaisie militaire (Fantasía militar, 1998).

Alain Bashung, Cómo no Echarle de Menos.  Por : Alfredo Rodríguez.

En la música de Alain Bashung se dan la mano el folk, el rock y la Chandon y se convirtió en una figura absolutamente imprescindible para entender la música contemporánea en el país vecino. Una figura de la que se dijo que había venido a ocupar el lugar que con anterioridad había ocupado Serge Gainsbourg, lo que dicho en Francia son palabras más que mayores, además de ponerlo al nivel de otras grandes figuras de la Chandon como Brel, Barbara, Brassens y otros.

“Nos ha abandonado un príncipe, un inmenso poeta, un cantante comprometido”, dijo el presidente de la República, Nicolas Sarkozy cuando se conoció la noticia de este músico, también actor (su primera aparición en el cine fue en la película El cementerio de automóviles, de Fernando Arrabal), que nunca conoció a su padre mientras su madre trabajaba de panadera.

Su relación con la música vino, por un lado, por la radio y, por otro, de una base norteamericana próxima a la casa de sus abuelos, donde descubrió el rock. La música se fue abriendo camino en su vida hasta que decidió abandonar sus estudios de contabilidad para coger la guitarra y la armónica e iniciar una carrera que, al principio, fue un tanto irregular formando parte de diversas bandas de distintos pelajes.

Las cosas cambiaron radicalmente cuando, en 1974, entre en contacto con el letrista Boris Bergman con quien compondrá el tema Gaby, oh Gaby, un single del que vendería, en 1980, más de un millón de copias, y ahí empezó todo. Ese tema estaba incluido dentro del disco Roulette Ruse (Ruleta rusa). Al año siguiente, pondrá en el mercado Pizza, un álbum en el que destacan los sonidos roqueros y que tendrá también una gran acogida.

La influencia que ejerce sobre su música el rock, quedará plenamente puesto de manifiesto en el disco Osez Joséphine (Osad Josefina, 1991), en el que hace versiones de algunos clásicos del rock norteamericano, y eso después de que en sus inicios compusiera una canción en la que preguntaba. Y eso lo mantendrá a lo largo de su carrera, sin perder por ello sus raíces nacionales ancladas firmemente en la Chandon.

Con su voz tremendamente personal y acompañado por su guitarra, decía en su última aparición sobre un escenario, precisamente la que le llevó a recoger sus últimos premios musicales, vestido con un sombrero y unas gafas de sol debajo de los cuales intentaba disimular los estragos de la enfermedad, decía que recordaría aquel momento durante toda la vida. Ahora somos nosotros los que podemos hacerle esa promesa póstuma. Su música dejaremos que nos acompañe y nos aliente en este viaje solitario que es la vida .

Juan Carlos Lázaro es un artista que con su trabajo refleja los niveles más íntimos de la materia, el gran vacío que existe en cada uno de los átomos que nos forman, y a su vez, el gran misterio que hay encerrado en cada uno de ellos; es decir, representa con la mínima expresión el interior de las cosas, tanto animadas como inanimadas, trasladando al receptor a un lugar que seguramente le podría gustar a cualquier seguidor del budismo.

Juan Carlos Lázaro. Inmediatez, esencia y energía. Por: Arín Dodó & J. G. Entonado.

Al captar la esencia de las cosas, dejando al mismo nivel una jarra, una esfera o un paisaje, ¿se puede interpretar que todo y todos somos lo mismo?, ¿un mero flujo energético?

Juan Carlos Lázaro expone con simplicidad la complejidad de la existencia; representa la forma de las cosas de manera tenue, elevándolas, así, a todas y sin excepción al mismo nivel; un plano no material, un plano energético.

Los protagonistas de sus obras no son los objetos, es simplemente la energía que hay en ellos; las cosas representadas son intermediarios energéticos. Esa energía está instalada en la luz y en el espacio, en el silencio que transmite su pintura.

Si esos cuadros se trasladaran a una partitura musical, serían puro timbre y ritmo, conceptos que en mi opinión, son lo primordial (o la esencia) de la música que está viva.

Más de una vez le he comentado que la impresión que me produce su pintura es la de la inmediatez. Si lo comparo con la música, es como el rock and  roll primitivo en estado puro, el de los pioneros (Jerry Lee Lewis, Chuck Berry…); así de simple…o quien sabe, quizás, así de complejo.

* Los cuadros de Juan Carlos Lázaro están tomados de su web, que  recomendamos  a nuestros lectores/as.*

Queridísimos lectores de Alenarte Revista. En el número del mes pasado, cuando escribí mi artículo sobre los premios Injuve, cometí un error garrafal ya que olvidé mencionaros que hubo también un galardón para el teatro. Esto, algo imperdonable por mi parte ya que yo mismo soy autor teatral, merecía un desagravio y, como de sabios es rectificar, aquí está en forma de artículo y entrevista.

El Grupo 611 Teatro. Por: Carlos Feral & Arín Dodó.

No es 611 Teatro una compañía al uso. Javier Hernández Simón, Pablo Rivero y Alberto Iglesias la fundaron allá por  Octubre de 2007 tras una dilatada experiencia teatral con otras compañías y escuelas desde hace más de quince años.

            Es curioso que el nombre saliera de una confusión. Uno es de Cantabria, otro de Orense y el tercero de Bilbao así que se dieron cuenta de que les unía una carretera que pasaba por sus lugares de orígen. Lo tremendo es que dicha carretera era la 634 mientras que ellos pensaban que era la 611 y con este número se quedaron.

            Hacen un teatro sociopolítico comprometido, sin renunciar a representar a los clásicos de vez en cuando, con muchas representaciones en su haber en, apenas, estos dos años de existencia. Sus títulos más conocidos son Ríanse del Hipopótamo, representada en el Círculo de Bellas artes, sobre el texto premiado del autor Emiliano Pastor (Premio Marqués de Bradomín) que ha tenido muy buena acogida y a la vez muchas críticas por lo arriesgado del texto, o Diktat( texto del francés Enzo Cormann) en el que dos hermanastros, separados en ambos bandos por la guerra, se reencuentran veinticinco años después en un lugar aislado.

             Individualmente, entre muchas otras,  también han estrenado títulos tan sugerentes como: Cristo Hembra o Como un Caballo Amarrado a las Puertas de un Saloon (de Alberto Iglesias), y han participado en festivales de teatro como Improclásicos, en el caso de Pablo, o la dirección de Javier en Una buena afeitada, obra ésta que se representó en el teatro Alfil de Madrid dentro del ciclo “Teatro por la Identidad”.

Su gran profesionalidad trata de que técnicamente sus espectáculos resulten impecables. En el teatro solamente se puede hacer una toma así que se tratan de cuidar los detalles al máximo.

Lo que más me gusta de esta compañía es su entusiasmo y la manera de afrontar los ensayos. Para ellos es un auténtico placer. No saben estar quietos y si están parados más de dos días sienten tal desasosiego que necesitan inmediatamente estudiar texto, reunirse para pulir detalles, comprar vestuario, o lo que sea, con tal de que esa droga teatral no les consuma durante tan cortos síndromes de abstinencia.

            Les preocupa la estupidez de muchos de los títulos que hay en nuestras carteleras y se quejan amargamente de la falta de profesionalidad de los que solamente buscan buenas taquillas despreciando la calidad tanto de textos como de actores. Se solicita cada vez más profesionalidad pero se mantiene en amateurismo en la faceta burocrática del teatro, desde gestores a concejales. Un noventa por ciento de lo que hay en cartelera son comedias ligeras, obras cuyo objetivo es atrapar al espectador con un personaje famoso de la televisión. Dicen literalmente que “muchas veces nos comportamos de forma infantil con respecto a la cultura y no se dan cuenta de que somos un país mayor de edad que no necesita un despotismo ilustrado. Eso es un tapón enorme para el teatro, que parece un asunto de colegios y al que no se destina ni espacios ni dinero ni estructura profesional correcta y coherente.”

            Están también en lo cierto en cuanto a la queja de que en muchos teatros, sobre todo de provincias se programa con miras al fin de semana, quedando ese espacio desaprovechado, cuanto menos de lunes a jueves, sin dar posibilidades a grupos locales a ensayar, aprender y disfrutar de esos espacios semibaldíos. Asímismo es de agradecer a algunos centros culturales de barrio que, a pesar de su falta de medios e infaestructura se esfuerzan de verdad por dar un espacio a las representaciones teatrales.

Con respecto a la difusión por internet de sus espectáculos la definen con una palabra que a mí me parece graciosa y acertada “ENLATADOS”. Me explico: Literalmente lo podéis leer así en su Blog:

“Es curioso que la manera de acceder a un mercado en el que se vende VIDA sea digitalizando y enlatando cada resultado… Son caprichos y exigencias del mundo en que vivimos. Y no nos amilana encerrar nuestras conclusiones provisionales porque pensamos seguir avanzando aún.

Una fotografía no nos roba el alma, a veces hace a esta accesible desde la distancia.”

Yo podría añadir muchas cosas más pero prefiero que oigáis el audio de la entrevista en la que os contarán en primera persona todos estos temas. Os dejo en el escenario con la grabación de la entrevista y deseándole mucha suerte a 611 y al teatro en general, en el argot que se usa en las funciones: “¡Mucha mierda!” Y…

¡Telón!…

Entrevista a 611Teatro